「編劇一定要是熱愛說故事的人，我一想到好的故事，想像呈現後觀眾感受到它的精彩，就會很興奮。」
隨著《哪吒2：魔童鬧海》票房破百億、春節檔"IP大戰"、工業化製作水準的提高……電影講故事的能力究竟有沒有得到改善？未來電影的敘事趨向又會是怎樣的？
帶著這些問題，我們再次找來2023年底，對擔任過金馬獎評委的資深編劇王瑋老師的獨家專訪，請他從劇作的角度，嘗試著為兩年後的我們，再次答疑解惑。
商業片繁榮
藝術片才更好
侯孝賢導演的美學觀念，是我一開始學電影的啟蒙。那是我在電影科系學習的時候，正是臺灣新電影時期，頗受到侯孝賢導演的影響。印象最深的就是《風櫃來的人》，被他的長鏡頭美學風格，和寫實性的手法給震撼到了，看完後想說：原來電影還可以這樣子拍？！
後來我拍廣告片的時候，都會自然而然地學他的觀念和手法。那時候我們的廣告片製作公司，都是跟侯孝賢導演合作的。
除了臺灣新電影，我從小到大的成長階段，香港電影一直都是臺灣電影市場的主流。後來寫影評，也專注在港產片。港產片就是很偏商業、偏娛樂，那時候看了很多，對自己的影響是潛移默化的。以至於學電影的時候覺得侯孝賢影響大，可是等到自己寫劇本的時候才慢慢察覺到，原來港產片的影響也不小。所以一開始寫劇本的時候，都會偏向於黑幫片，當時朋友看到後第一眼的感覺，還以為是香港人寫的劇本。
香港電影在新浪潮之後，非常注重專業技術和娛樂效果。而且因為香港的觀眾，有非常多的藍領階級，也就是所謂的"勞工"，所以他們的電影的劇情，就必須簡單明瞭，而且娛樂性很強。那時候香港還流行"午夜場"，這些藍領下了班去看，他們的反應強不強烈，就代表了這個片賣不賣錢。所以那時候的香港電影，非常追求感官刺激。
臺灣電影不同，它在技術面向上落後一些，到了臺灣新電影時期，新一代的創作者開始強調攝影、強調錄音，還有美術層面的表達。更重要的是，它更強調導演個人的創作理念，當時的電影評論也非常鼓勵這一點。所以跟香港電影相比，臺灣電影就更注重人文色彩。
臺灣電影和香港電影的這種區別，也跟兩地的社會環境有關。香港是一個強調商業性的社會，但臺灣比較強調人文色彩。這就決定了兩地的影視創作和產業環境，會產生一些差別。你可以說是各有所長，也可以說是各有缺失。
一個完整的電影市場，至少有70%的觀眾喜歡看通俗的、商業的電影，剩下的30%喜歡看藝術類的電影。這就意味著，商業電影有足夠的市場存活，才容易做出藝術性的電影。
也就是說，我們要保證電影的商業性，讓大家覺得中國電影足夠好看，這些電影才能去養活絕大多數的電影工種，比如燈光、攝影、編劇、導演和演員，這些人活得足夠好了，才能找到好的工作人員來拍好比較藝術性的片子。
就好像王家衛的那些電影，裡邊有很棒的梁朝偉和張曼玉。可是梁朝偉、張曼玉不能靠三五年才拍一部片的王家衛電影活著，他們必須要拍足夠多的商業片才能活，才能磨鍊演技，才能去拍偏藝術的電影。
梁朝偉、張曼玉不會憑空而生，他們一定是要在比較好的商業環境裡才有的。
比如一家電影院有10個放映廳，7個廳在放商業性的片子，那剩下的廳就可以放比較少人看的藝術片。因為7個廳就讓我賺錢了，剩下的放藝術片也沒關係。
但如果一個影院全都在放藝術片，每個片的上座率還很低，那這個影院可能都維持不下去，那麼再好的電影，也沒地方去放。
好電影變少
情緒變重要
大家會有一個感覺，現在的電影越來越喜歡搞"型別複合"，比如在科幻的基礎上，加上愛情和喜劇。這是一個很好的嘗試，也會是一個大的趨勢。
美國就是在這樣做，在90年代以後，美國電影的很多型別就混雜了。它不再像四十和五十年代的電影，型別非常清楚。這種型別混雜的電影，在商業上來說，對喜歡通俗電影的觀眾比較討好。
現在全球範圍內的電影，尤其是大廠，拍攝了太多的續集電影、或是翻拍舊題材。實際上，好電影本來就不多。好萊塢一年生產幾百部電影，真正好看的也就十來部。因為電影的拍攝預算愈來愈高，好萊塢自然也就不容易冒險創新。但是今年漫威與英雄動作片普遍賣座不如預期，接下來或許會有些改變。
現在好看的電影，確實越來越少了。這是現在正在發生的事情。這是因為，大家的成長經驗不一樣了。前兩天跟學生上課的時候，我還在講這個事。
像我小時候，10歲以前，什麼《三國演義》《七俠五義》《封神榜》《西遊記》這些，我可能全都已經看完了。它們在無形之中，為我現在寫劇本、說故事的能力，打下了比較好的基礎。
可是現在的小朋友呢？他可能從小看的是遊戲，玩的是平板電腦，他看到的故事，在量上已經比我們少太多。所以他那種說故事的能力，以及對故事的思考，其實是有降低的。
那這批人成為創作者以後，他在這一塊就容易出問題。再加上現在大家都在看短影片，那他說長篇故事的能力，也是在下降的。
這就導致我們現在要把一個120分鐘的電影，講得非常深入、好聽動人，變得越來越難，所以才會連漫威這種電影，都會出問題。所以美國導演馬丁·斯科塞斯才會說，看漫威電影就像是進遊樂場。因為講故事，對它們來說已經不重要了。
相應地，觀眾也沒必要再去深究故事了。結果就是一連串的反應，編劇、導演也慢慢喪失了深究故事的能力。
像以前我們從編劇到製作人，圍在一起10個鐘頭，可能才討論出一個細節，大家對故事的邏輯和推進是非常講究的。可是現在，每個人的邏輯思維已經不一樣了，或者說是對邏輯的緊密度，也不做要求了，那他的故事邏輯就會有問題。
當年的港產片，就因為這個問題經常被臺灣的評論者批評，因為他們都是三五天就把劇本趕出來，然後就拍了。比如新藝城，就是劇本集體創作，然後儘快投入生產。那個劇本就完全是在"算計"，我應該幾分鐘讓你哭、幾分鐘讓你笑。結果就是，電影為了商業、為了通俗，甚至是為了提供所謂的感官刺激，就越來越注重提供情緒價值，故事的邏輯層面反而出問題。
你當然可以說這是一種偷懶啦，就是不去經營故事，而是去做一些感官刺激、情緒宣洩。像當年我看《黃飛鴻》，都會有這種感覺。它就是一個賣弄民族情緒的爽片，只要打外國人，就會很爽、很開心。
我們當然希望電影的娛樂效果，跟電影的故事邏輯、人物情感都能夠搭配起來，而不只是走表面的這種情緒，或者說煽情。
在這個未來趨勢的情況下，我們能不能再做一些轉變跟調整？說實話我也不知道。但是就我現在以教編劇課來講，我還是儘量強調說故事的重要性。
其實我一直都在跟學生講，無論你讀了多少本編劇書，無論你原來學的是什麼。如果你想要做一個編劇，唯一的一條路就是：你一定要開始寫作！從故事大綱，一步步地到人物設計，最後再到劇本寫出來。
這是一個必須自己去經歷的過程。所以我從始至終都是鼓勵學生，一定要開始寫作。
從故事發想到劇本梗概
怎樣獲得故事創意？故事主題在哪裡？如何發現、挖掘真實歷史、社會語境之中的真實個體、事件細節，並巧妙放進劇本，使靈感得到血肉，成為活生生的人間戲劇？
如何以主角帶領故事？一部戲是如何從人物生長出來的？創作這件事是可以習得的嗎？
編劇是一門"手藝活"。需要打磨技術，修煉內功。作家汪曾祺曾說："創作不是絕對不能教，問題是誰來教，用什麼方法教。"
王瑋老師擔任過金馬獎等多個電影節評委；有三十多年影視行業一線實戰經驗，二十多年專業劇本寫作與教學經驗；也是受到很多學員認可的，"把好萊塢經典三幕劇講得最透徹的人"。
把看似不言自明、人盡皆知的理論，邏輯嚴密清晰，切中要害轉化成可操作的具體落地辦法出來，不急不躁、條分縷析講出來，就是他的厲害之處。
下面是包括導師履歷、學習安排、報名條件、報名方式等完整課程說明。值得你仔細閱讀。
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